Wie das Marvel Cinematic Universe Hollywood verschluckte

Von Michael Schulman

Christopher Yost wuchs in Missouri auf und hatte Kartons mit Marvel-Comics, die seine Mutter im Supermarkt kaufte. Keiner seiner Freunde las Marvel; Es war seine eigene private Welt, eine „ausgedehnte Geschichte, in der all diese Charaktere zusammen in diesem Universum lebten“, erinnerte er sich. Wolverine könnte sich mit Captain America zusammentun; Doctor Doom könnte gegen den Red Skull kämpfen. Im Gegensatz zu den DC-Comics, deren Helden (Superman, Batman) wie Götter aufragten, waren Marvels Helden relativ menschlich, insbesondere Peter Parker, auch bekannt als Spider-Man. „Er hat Geld- und Mädchenprobleme, und seine Tante May ist immer krank“, sagte Yost. „Jedes Mal, wenn man glaubt, dass er dieses große, glamouröse Superheldenleben führen wird, ist das nicht so. Er ist ein bodenständiger, bodenständiger Typ. Die Marvel-Charaktere scheinen immer persönliche Probleme zu haben.“

Im Jahr 2001 erlangte der damals 27-jährige Yost einen MFA im Filmgeschäft in Los Angeles, wollte aber Schriftsteller werden; er hatte ein unproduziertes Drehbuch über eine außerirdische Invasion geschrieben. Er hörte, dass Marvel einen neuen Außenposten an der Westküste hatte, und rief zu einem Interview auf. Das Studio teilte sich ein kleines Büro mit einer Firma, die Drachen herstellte. Es waren sechs Mitarbeiter beschäftigt. Einer von ihnen, ein Typ mit einer Baseballkappe, der ebenfalls Ende Zwanzig war, setzte sich mit Yost zu einem „Comic-Trivia-Off“ zusammen. Der Interviewer, dessen Name Kevin Feige war, fragte: „In welcher Ausgabe bekommt Spider-Man sein schwarzes Kostüm?“

„Oh, das ist eine Fangfrage“, sagte Yost. (Der schwarze Anzug tauchte zum ersten Mal in „The Amazing Spider-Man“ Nr. 252 auf, aber seine Ursprünge wurden erst in der Crossover-Serie „Marvel Super Heroes Secret Wars“ enthüllt.) Er bekam ein Sommerpraktikum und arbeitete an einem Schreibtisch von Stan Lee bei Marvel legendärer ehemaliger Chefredakteur, der selten zu Gast war. Das Unternehmen, das einige Jahre zuvor Insolvenz angemeldet hatte, hatte die Niederlassung in LA gegründet, um Marvel-Charaktere nach Hollywood zu lizenzieren; Yosts Aufgabe bestand darin, die riesige Bibliothek an Charakteren zu durchsuchen und dabei zu helfen, sie für die Studios zu verpacken, „im Grunde zu versuchen, Interesse zu wecken“. Er und Feige führten lange Diskussionsrunden über Namor, einen im Meer lebenden Mutanten. Am letzten Tag seines Praktikums hinterließ Yost den Führungskräften ein Science-Fiction-Beispieldrehbuch und bekam einen Job als Autor für die Zeichentrickserie „X-Men: Evolution“.

Schnitt auf das Jahr 2010. Yost, der seinen Lebenslauf auf Cartoons aufgebaut hatte, wurde gebeten, in einem Schreiblabor bei Marvel Studios mitzuarbeiten, wo er mit erstaunlichem Erfolg seine eigenen Realfilme drehte. Im Jahr zuvor, nachdem Marvels erster Film „Iron Man“ mehr als fünfhundert Millionen Dollar einspielte, hatte Disney das Studio für vier Milliarden Dollar übernommen. Es befand sich nun auf einem weitläufigen Campus in Manhattan Beach mit eigenen Tonbühnen. „Stellen Sie sich ein Bürogebäude vor, das an den Hangar eines Flughafens angeschlossen ist“, sagte Yost. Feige war nun Präsident des Studios. Er hüpfte von einem Konferenzraum zum anderen, während die Teams die nächsten Schritte dessen planten, was als Marvel Cinematic Universe bekannt werden sollte, oder das MCU. Yost sagte: „Die Maschine war gestartet.“

Yost war einer von vier Autoren, die an der Entwicklung verschiedener Charaktere arbeiteten, von denen einige schließlich dem MCU beitraten. Der erste Thor-Film war im Gange und Yost wurde gebeten, eine schwierige Szene zu drehen. Bald saß er vor dem Regisseur Kenneth Branagh, der den Film als eine Shakespeare-Saga gestaltet hatte, in der Vater gegen Sohn und Bruder gegen Bruder antraten – im Weltraum. Yost war in einigen nicht im Abspann aufgeführten Szenen zu sehen. Anschließend war er Co-Autor der Fortsetzungen „Thor: The Dark World“ und „Thor: Ragnarok“, als das MCU zur dominierenden Kraft in der globalen Unterhaltungsbranche heranwuchs und ganz Hollywood in seinen Bann zog. „Marvel steht unter großem Druck“, sagte mir Yost. „Jeder wartet irgendwie darauf, dass sie es vermasseln. Aber letztendlich versuchen wir wirklich nur, die Filme zu machen, die wir selbst gerne sehen würden.“

Ganz gleich, ob Sie die letzten anderthalb Jahrzehnte damit verbracht haben, Marvel-Filmen wie Krätze aus dem Weg zu gehen, oder ob Sie so tief in der Sache stecken, dass Sie die Sokovia-Abkommen erläutern können, es ist unmöglich, sich der intergalaktischen Reichweite der Filme zu entziehen. Insgesamt haben die MCU-Filme – der zweiunddreißigste, „Guardians of the Galaxy Vol. 3“, der im Mai startete – mehr als 29 Milliarden Dollar eingespielt, was das Franchise zum erfolgreichsten in der Unterhaltungsgeschichte macht. Die Fülle an Inhalten erstreckt sich auch auf TV-Serien und Sondersendungen, mit einer internationalen Fangemeinde, die jeden Teaser und jede Unternehmensumstrukturierung nach Hinweisen darauf durchsucht, was als nächstes kommt. Wie in den Comics ist die Hauptinnovation des MCU eine gemeinsame fiktive Leinwand, auf der Spider-Man Doctor Strange anrufen und Iron Man gegen Thors schlauen Bruder kämpfen kann. In Hollywood gab es schon immer Fortsetzungen, aber das MCU ist ein Netz miteinander verbundener Handlungsstränge: Neue Charaktere werden vorgestellt, entweder in ihren eigenen Filmen oder als Nebendarsteller in denen anderer, und treffen dann in den Höhepunkten der Avengers-Filme aufeinander. In den Siebzigern boten „Der Weiße Hai“ und „Star Wars“ Hollywood ein neues Modell zum Geldverdienen: den endlos beworbenen Sommer-Blockbuster. Die MCU hat die Formel multipliziert, sodass jeder Blockbuster einen anderen hervorbringt. David Crow, leitender Redakteur der Website Den of Geek, nennt es eine „Roadmap für ein Produkt, das niemals endet“.

Vor zwanzig Jahren hätten nur wenige Menschen darauf gewettet, dass eine schwächelnde Comic-Firma einen Haufen zweitrangiger Superhelden in Filmikonen verwandeln würde – ganz zu schweigen davon, dass sie die gesamte Filmindustrie verschlingen würde. Doch das Marvel-Phänomen hat Hollywood in eine von Franchises betrunkene neue Ära geführt, in der geistiges Eigentum, mehr als Starpower oder Regievision, den Ausschlag dafür gibt, was gemacht wird, und Studios sich darum bemühen, ihre eigenen fiktiven Universen zusammenzuschustern. Der Wandel kommt zu einem für Kinobesucher gefährlichen Zeitpunkt. Das Publikum sieht, insbesondere seit der Pandemie, weniger Filme im Kino und streamt mehr von zu Hause aus, was die Studios dazu zwingt, sich auf IP-basierte Tentpoles wie „The Super Mario Bros. Movie“ zu verlassen. Kevin Goetz, der Gründer von Screen Engine, das das Zuschauerverhalten untersucht, verwies auf Marvels Sinn für „erhöhten Spaß“, um zu erklären, warum es Menschen ins Theater lockt: „Es sind Fahrgeschäfte, und es sind kräftige Fahrgeschäfte.“

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Marvels Erfolg, fügte er hinzu, habe mehr menschlicher Unterhaltung „die Luft gesaugt“. Ganze Arten von Filmen – Dramen für Erwachsene, romantische Komödien – sind vom Aussterben bedroht, da die Zuschauer gerne abwarten und „Tár“ oder „Book Club: The Next Chapter“ streamen oder ihre Erwachsenenfreuden in Serien wie „Succession“ genießen. oder „Der Weiße Lotus“. Doch selbst das Prestigefernsehen ist mit Marvel-, „Star Wars“- und „Der Herr der Ringe“-Serien überschwemmt, die den kleinen Bildschirm nutzen, um neue Ecken ihrer markenrechtlich geschützten Galaxien abzubilden. Hollywood-Autoren, die derzeit über die eingeschränkte Ökonomie des Streamings streiken, beklagen auch die eingeschränkte Vorstellungskraft der TV-Manager: Statt nach den nächsten „Mad Men“ zu suchen, sind sie auf der Suche nach Batman-Spinoffs.

Marvels fantasievoller Hausstil hat sogar auf Oscar-Gewinner abgefärbt. Der beste Film dieses Jahres, „Everything Everywhere All at Once“, bot eine Marvel-artige Mischung aus umwerfender Action, albernem Humor und Multiversum-Mythologie; Es hätte leicht als Ursprungsgeschichte für einen neuen Avenger dienen können. Marvel hat inzwischen fast jedes andere Genre kolonisiert. „WandaVision“ war eine Pastiche klassischer Sitcoms; „She-Hulk: Attorney at Law“ war eine feministische Justizkomödie. Kritiker halten den Ansatz der Marke, für jeden etwas zu bieten, für schändlich. Ein Manager eines Konkurrenzstudios, der das MCU „den Tod allen Kinos“ nannte, sagte mir, dass die Dominanz der Marvel-Filme „dazu beigetragen hat, die Verdrängung der Mittelklassefilme zu beschleunigen“. Die Komödien seines Studios hatten an den Kinokassen Probleme und er schimpfte: „Wenn die Leute eine Komödie wollen, werden sie sich jetzt ‚Thor‘ oder ‚Ant-Man‘ als ihre Komödien ansehen.“

In gewisser Weise erinnert Marvel an das alte Studiosystem, in dem Paramount und Warner Bros. mit Siebenjahresverträgen Stars unterhielten und MGMs Freed Unit Filmmusicals am Fließband produzierte. Samuel L. Jackson, der den Marvel-Spion Nick Fury spielt, unterzeichnete 2009 einen Vertrag über neun Filme mit dem Unternehmen und wird diesen Sommer seine eigene Disney+-Serie „Secret Invasion“ leiten. Zum Kader des MCU gehören erfahrene Ikonen (Robert Redford, Glenn Close), Stars in der Mitte ihrer Karriere (Scarlett Johansson, Chris Pratt) und Durchbruchtalente (Florence Pugh, Michael B. Jordan). Es ist vielleicht einfacher, die Kriegsdienstverweigerer zu zählen, die nicht zu Marvel gegangen sind, darunter Timothée Chalamet, der gesagt hat, Leonardo DiCaprio habe ihm einmal geraten: „Keine harten Drogen und keine Superheldenfilme.“ (Dies geschah, nachdem Chalamet für Spider-Man vorgesprochen hatte.)

Comic-Filme haben bereits Topstars wie „Superman“ (Marlon Brando, 1978) und „Batman“ (Jack Nicholson, 1989) angezogen, aber das MCU kann einen Schauspieler aufgrund seines Designs jahrelang an sich binden. Benedict Cumberbatch spielte nicht mehr Hamlet, sondern berief sich als Doctor Strange auf „das große Kalkül des Multiversums“. Die Darstellung einer Marvel-Figur bedeutet oft nicht nur, in Filmen als Headliner aufzutreten, sondern auch Cameo-Auftritte und Crossovers zu drehen, bis zu dem Punkt, dass sogar der Schauspieler verwirrt ist. Gwyneth Paltrow, die Iron Mans Geliebte Pepper Potts spielt, hatte keine Ahnung, dass sie in „Spider-Man: Homecoming“ auftrat, bis Marvel-Regisseur Jon Favreau es ihr gegenüber in seiner Kochshow erwähnte.

Es kann entmutigend sein zu sehen, wie viel schauspielerisches Talent in die Quantenwelt des MCU gesaugt wird, vermutlich für eine ordentliche Summe, aber die Gehaltsschecks allein erklären nicht Marvels Einfluss auf die Stars. „Irgendwann möchte man relevant sein“, sagte ein Agent, der mehrere MCU-Schauspieler vertritt. „Erfolg ist die beste Droge.“ In diesem Jahr wurde Angela Bassett als erste Schauspielerin für eine Marvel-Rolle in „Black Panther: Wakanda Forever“ für einen Oscar nominiert. „Nun, es ist so modern“, sagte sie mir im Februar. „Wir versuchen, auf dem Laufenden zu bleiben, und sie haben ein Erfolgsrezept.“ Ganze Generationen kennen Anthony Hopkins mittlerweile nicht mehr als Hannibal Lecter, sondern als Thors Vater, König Odin von Asgard. „Sie steckten mich in eine Rüstung, sie steckten mir einen Bart auf“, erzählte er mir. „Setzen Sie sich auf den Thron, schreien Sie ein bisschen. Wenn Sie vor einem Greenscreen sitzen, ist es sinnlos, so zu spielen.“

Das Ergebnis ist viel Streit um den „Tod des Filmstars“. In einem IP-gesteuerten Ökosystem locken einzelne Stars bis auf wenige Ausnahmen (Tom Cruise, Julia Roberts) das Publikum nicht mehr so ​​in die Kinos wie früher. Sie gehen in einen Marvel-Film, um Captain America zu sehen, nicht um Chris Evans. „Es überrascht mich tatsächlich, dass fast keiner von ihnen eine Karriere außerhalb des Marvel-Universums hat“, sagte ein anderer Agent. „Die Filme funktionieren nicht. Schauen Sie sich alle an, die Robert Downey Jr. versucht hat. Schauen Sie sich Tom Holland an. Es war eine Bombe nach der anderen.“

Marvel hat in ähnlicher Weise Drehbuchautoren, Spezialeffektkünstler und Arbeiter aus fast allen anderen Berufen in Hollywood aufgefressen – darunter auch Regisseure, die oft aus anderen Genres entführt werden. Taika Waititi drehte die Vampir-Mockumentary „What We Do in the Shadows“, bevor sie die Leitung von Thor übernahm. Chloé Zhao wechselte von stimmungsvollen Westernfilmen mit kleinem Budget zu Marvels düsterem Film „Eternals“ mit großem Budget. Karrierewege, die einst zu Oscars führten, führen nun unaufhaltsam zum etwas montagebedürftigen Weltaufbau des MCU. Ein Agent, der mit Drehbuchautoren zusammenarbeitet, beklagte sich: „Ich mache mir Sorgen um die Filmindustrie, denn wenn du Chloé Zhao bist und willst.“ Um eine Geschichte auf einer großen Leinwand zu erzählen, beschränkt man sich meist darauf, sie auf der Leinwand eines großen Superhelden zu erzählen.“ Er fügte hinzu: „Es ist ein Paar goldene Handschellen.“

Andersdenkende waren lautstark. Im Jahr 2019 bezeichnete Martin Scorsese Marvel-Filme als „keine Kinofilme“ und erntete damit die unsterbliche Feindschaft der Comic-Fans. Letztes Jahr beklagte Quentin Tarantino Marvels „Würgegriff“ auf Hollywood und sagte: „Man muss ein Lohnarbeiter sein, um solche Dinge zu tun.“ Als ich diesen Kommentar gegenüber Joe und Anthony Russo erwähnte, den Brüdern, die vier Marvel-Filme gedreht haben, darunter den erfolgreichsten „Avengers: Endgame“, sagte Anthony: „Ich weiß nicht, ob Quentin das Gefühl hat, er sei dazu geboren, einen Marvel-Film zu machen.“ , weshalb er sich dabei vielleicht wie ein Lohnarbeiter fühlen würde. Das hängt von Ihrer Beziehung zum Ausgangsmaterial ab.“ Joe fügte hinzu: „Was uns am meisten erfüllt, ist der Aufbau eines Gemeinschaftsgefühls rund um unsere Arbeit.“ Leute, die an Marvel-Projekten beteiligt sind, sprechen oft davon, „im Sandkasten zu spielen“, was eine andere Art auszudrücken ist, dass die Marke Vorrang vor jeder einzelnen Stimme hat – mit Ausnahme der von Feige, dem umgänglichen Gesicht der Franchise.

Branchenkenner spekulieren gerne über „Marvel-Müdigkeit“, was größtenteils Wunschdenken ist – obwohl eine Reihe kreativer Fehltritte und Unternehmensmaschenschaften in jüngster Zeit den Konkurrenten das Wasser im Mund zusammenlaufen lassen. So sehr sich die Konkurrenten auch über Marvel beschweren, sie haben das letzte Jahrzehnt damit verbracht, es nachzuahmen. Marvels Erzfeind DC Studios, der zu Warner Bros. gehört, hat eine Erfolgsbilanz vorzuweisen, mit oft düsteren, selbsternsthaften Filmen, denen es an Marvels Schnelligkeit und Qualitätskontrolle mangelt. Letztes Jahr holte Warner Bros. James Gunn (der bei Marvels Guardians of the Galaxy-Trilogie Regie führte) und Peter Safran, um das Filmuniversum von DC neu zu starten, vermutlich nach dem Vorbild des MCU, das Sony aufbaut, das sich das Spider-Man-Franchise mit Marvel teilt bringt sein Spider-Vers mit Charakteren wie Venom heraus. Im Jahr 2017 kündigte Universal sein eigenes Dunkles Universum an, das auf seinen klassischen Monstern wie Dr. Jekyll und Mr. Hyde (Russell Crowe) und dem Unsichtbaren Mann (Johnny Depp) basiert. Nachdem der erste Teil – „Die Mumie“ mit Tom Cruise – enttäuscht war, wurde der Plan verworfen.

Die Lektion: Man kann sich nicht die Existenz eines Universums im Genesis-Stil wünschen. Marvel, das auf ein bereits bestehendes Wirrwarr von Comic-Handlungen zurückgreifen konnte, brachte seine Filme methodisch auf den Markt und gewann so das Vertrauen des Publikums. Goetz, der Publikumsanalyst, verglich es mit Apple: „Die Marvel-Leute haben einen emotionalen Händedruck mit ihren Verbrauchern.“ So wie Sie Ihr technisches Leben in den reibungslosen Grenzen von MacBooks und iPads leben können, ist es möglich, Ihr gesamtes Unterhaltungsleben im Marvel-Universum zu verbringen, das alle paar Wochen eine neue Serie oder einen neuen Film herausbringt. Da das MCU Fachwissen belohnt, kann es den Gelegenheitszuschauer verwirren. Wenn Sie „Wakanda Forever“ gesehen haben und sich gefragt haben, was zum Teufel Julia Louis-Dreyfus darin macht, haben Sie wahrscheinlich das Debüt ihrer Figur in der Disney+-Serie „Der Falke und der Wintersoldat“ verpasst. Aber eine kritische Masse ist an Bord. „Der Ausdruck ‚dem Chor predigen‘ impliziert oft eine gewisse Nischenhaftigkeit“, sagte Christopher Markus, einer der Autoren von „Endgame“. „Bei diesem Film herrschte ein sehr erfreuliches und unwiederholbares Gefühl, dass der Chor nahezu global war.“

Das MCU beginnt, was unwahrscheinlich ist, in einer trockenen afghanischen Landschaft. Eine Explosion von AC/DC deutet auf einen Humvee mit Tony Stark, dem von Robert Downey Jr. dargestellten Playboy-Waffenindustriellen. In den ersten zehn Minuten von „Iron Man“, das im Mai 2008 veröffentlicht wurde, verteidigt Tony Gambles den militärisch-industriellen Komplex , und bettet einen Journalisten. Das MCU ist eine erweiterte Realität – eine Welt, die unserer eigenen ähnelt und von Superhelden überlagert wird –, aber der erwachsene Ton von „Iron Man“ mit seinen Unterströmungen der Geopolitik der Bush-Ära hielt nicht an. „Es ist ganz anders als das, was Marvel jetzt ist“, bemerkte „Thor“-Drehbuchautor Zack Stentz. „Es ist ungefähr zehn Grad von der Realität entfernt und kein sprechender Waschbär mit Maschinengewehren, Magie und Paralleluniversen.“

Auf andere Weise gab „Iron Man“ einen klaren Kurs für das Franchise vor, mit Actionausbrüchen, unterbrochen von witzigem, selbstreferenziellem Humor, angetrieben durch Downeys motorischen, weitgehend improvisierten Auftritt, der an einen Lounge-Act in Las Vegas erinnert. In einer Post-Credits-Szene taucht Samuel L. Jackson als Nick Fury auf, um Tony zu sagen: „Mr. Stark, Sie sind Teil eines größeren Universums geworden.“ „Der unglaubliche Hulk“, der im darauffolgenden Monat veröffentlicht wurde, endet damit, dass Tony in einer Bar erscheint, um einen Hinweis darauf zu geben, wie man „ein Team zusammenstellt“. Das Modell war vorhanden: Jeder Film würde den Keim des nächsten enthalten und mit einem verlockenden Mysterium oder Crossover enden.

Etwa dreißig Filme später stöhnen Marvels Kritiker (und sogar einige Fans) über die Formel. Es gibt den CGI-Kampfkampf, bei dem oft ein guter Iron Man gegen einen schlechten Iron Man, ein guter Drache gegen einen bösen Drachen oder eine gute Hexe gegen eine böse Hexe antritt. Es gibt den selbstreferenziellen Shtick, die austauschbaren Bösewichte. Es gibt totgeglaubte Charaktere, die wie in einer Seifenoper wieder auftauchen. Die meisten Handlungsstränge laufen darauf hinaus, „das leuchtende Ding von den Bösewichten fernzuhalten“, und es steht nichts Geringeres auf dem Spiel als das Schicksal der Welt, das sich so anfühlt, als ob gar nichts auf dem Spiel stünde.

Innerhalb dieses Rahmens lässt das MCU jedoch eine Reihe stilistischer Variationen zu. Branaghs Shakespeare-„Thor“ wich Waititis verrückten Fortsetzungen voller Witze und Heavy Metal. Jon Watts orientierte sich bei seinen Spider-Man-Filmen an den Teenagerdramen von John Hughes. Für „Captain America: Winter Soldier“ griffen die Russo-Brüder auf Thriller aus der Watergate-Ära wie „Drei Tage des Kondors“ zurück. Und Ryan Cooglers „Black Panther“-Filme, die eine Klasse für sich sind, sind durchdrungen von Afrofuturismus und postkolonialer Politik.

Sie könnten sich vorstellen, dass Sie an Ihrem ersten Arbeitstag an einem Marvel-Film ankommen und eine in Leder gebundene Bibel der Charaktermythologie überreicht bekommen. Stattdessen erhalten Regisseure, die sich um ihren ersten Marvel-Job bewerben, ein etwa fünfzehnseitiges „Diskussionsdokument“, das aus Brainstorming-Retreats des Unternehmens besteht. Um den Job zu bekommen, ist keine sklavische Einhaltung des Dokuments erforderlich, sondern eine geschickte Vorgehensweise bei der Ausführung. Die Filme werden auf der ganzen Welt gedreht, aber in Burbank geschnitten, auf demselben Grundstück wie Feiges Büro. Das Kreativteam jedes Films trifft sich mehrmals pro Woche mit dem oberen Management von Marvel – bis vor Kurzem eine Gruppe namens Trio, bestehend aus Feige, Louis D'Esposito und Victoria Alonso. Filmemacher erhalten auch Notizen vom Parlament, einer Gruppe hochrangiger kreativer Führungskräfte, die jeweils einzelnen Projekten zugewiesen sind, diese aber alle als Ausschuss prüfen.

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All diese Unternehmensmaschinerie mag bedrückend klingen, aber Marvel-Mitarbeiter neigen dazu, ihre Erfahrungen als überraschend freizügig und unkompliziert zu beschreiben. Ein Redakteur bezeichnete Marvels Versehen als „kleinen Finger am Lenkrad“. „Es wurde überhaupt nichts diktiert“, sagte mir Joe Johnston, der beim ersten „Captain America“-Film Regie führte. Erik Sommers, Mitautor der Spider-Man-Trilogie, erinnerte sich, dass Marvel-Assistenten ein Dokument zusammengestellt hatten, das den Unterschied zwischen einem „Universum“ und einer „Dimension“ erklärte. Aber ansonsten, sagte er, „handelt es sich nicht um ein riesiges Diagramm bereits bestehender Punkte, die in einer bestimmten Reihenfolge verbunden werden müssen.“

Einige Regisseure – Patty Jenkins, Edgar Wright – haben Marvel-Projekte aufgegeben, nachdem sie um die kreative Kontrolle gekämpft hatten. „Wir würden nur dann auf Probleme stoßen, wenn wir einen Filmemacher hätten, der sagte: ‚Das ist es, was ich machen möchte‘, und dann auftauchte und etwas völlig anderes machen wollte“, erzählte mir ein ehemaliger Marvel-Manager. „Dann hört man die Leute sagen: ‚Kevin Feige kam rein und er hat den Prozess übernommen!‘ Aber wenn man den Spielplan kennt, hat man bei Marvel am Ende eine Menge kreativer Freiheit, weil wir innerhalb des Rahmens arbeiten.“ Scorsese würde schaudern.

Filmemacher tappen oft im Dunkeln über größere Pläne für das MCU. In Johnstons Film stürzt Captain Americas bester Freund Bucky, gespielt von Sebastian Stan, von einem Berg. In späteren Filmen kehrt er als Hauptfigur als Wintersoldat zurück, aber als Johnston die dramatische Todesszene inszenierte, wusste er nichts über das Schicksal der Figur. „Ich ging davon aus, dass das das Ende von Bucky wäre“, sagte er mir. Als Sommers an „Spider-Man: Far from Home“ arbeitete, wussten er und sein Schreibpartner Chris McKenna nicht, was in „Endgame“ passieren würde – das in der MCU-Chronologie vor „Far from Home“ lag – außer dem Tod von Tony Stark, der intern mit dem Codenamen „The Wedding“ bezeichnet wurde.

Feige (der sich weigerte, interviewt zu werden) hat den Ruf, ein allwissender Oz zu sein, aber Mitarbeiter beschreiben ihn als einen Comic-Gelehrten, der vorbeischaut und Story-Korrekturen anbietet, die er aus seinem enzyklopädischen Marvel-Wissen zusammengetragen und mit einem wahnsinnigen Fanboy-Enthusiasmus vorgetragen hat . „Jedes Mal, wenn ihm jemand etwas vorschlägt, stellt er sich vor, in einem Theater mit einer Wanne Popcorn zu sein“, erzählte mir Yost. Eine Spitball-Sitzung könnte zu tektonischen Manövern führen. Als die Russen darauf drängten, den dritten „Captain America“-Film auf den Bürgerkriegs-Comics zu basieren – einer Crossover-Serie mit einer ganzen Spielzeugkiste voller Helden –, arbeitete Feige monatelang daran, die Schauspieler und die IP aufeinander abzustimmen. Anthony Russo erinnerte sich: „Eines Tages öffnete er die Tür, steckte den Kopf hinein und sagte: ‚Der Krieg naht!‘ „Aber Feiges Eifer täuscht über seine geschickteren Führungsqualitäten hinweg. „Er ist wirklich gut darin, zu bekommen, was er will, aber gleichzeitig jedem das Gefühl zu geben, dass er bekommen hat, was er wollte“, sagte der ehemalige Manager.

Diese besondere Superkraft erklärt wahrscheinlich, warum MCU-Filmemacher so persönlich über ihre Projekte sprechen, als würden sie sie einem Psychiater überlassen. Als Jon Watts für die Regie seines ersten Spider-Man-Films engagiert wurde, war er vor allem für die Regie von Musikvideos und dem Sundance-Thriller „Cop Car“ bekannt. Für „Spider-Man: Homecoming“ machte er Peter Parker zum ängstlichen Gefolgsmann von Tony Stark. „Es geht um einen Jungen, der eine riesige Chance bekommt und wirklich nervös ist, dass er es vermasseln wird“, sagte Watts. „Ich bin mir sicher, dass ich meine tatsächliche Besorgnis und Nervosität darüber veräußerlicht habe, diesen Sprung von einem wirklich kleinen Independent-Film zu einem 200-Millionen-Dollar-Marvel-Film zu schaffen.“

Es ist ein Klischee, dass Superhelden unsere modernen Zeusen und Aphroditen sind, aber Marvel-Filme neigen dazu, die Interessen einer eher erdgebundenen Unterart zu brechen: dem Hollywood-Mann mittleren Alters. Die Autoren Ashley Miller und Zack Stentz trafen sich in den Neunzigern, als sie sich in einem Online-Chatroom über „Star Trek“ stritten, und arbeiteten gemeinsam am ersten Thor-Film. Als er über Thors schwierige Beziehung zu seinem Vater nachdachte, sagte Stentz: „Ich hatte einen emotional distanzierten Vater, dessen Zustimmung man oft nicht gewinnen konnte.“ Miller beschäftigte sich mit Thors Konflikt mit seinem Bruder Loki, dem Gott des Unheils. Sechs Jahre nach dem Film half Millers Therapeut ihm zu erkennen, dass er auf seine „leise umstrittene Beziehung“ zu seinem älteren Bruder zurückgegriffen hatte.

MCU-Filme sind oft Metaphern für sich. In „The Avengers“ ähnelt die angespannte Zusammenarbeit zwischen Superhelden mit komplementären Kräften und beträchtlichen Egos nicht so sehr dem Hollywood-Filmemachen, in dem Autoren, Regisseure und Produzenten um die Kontrolle ringen. In „Captain America: Civil War“ sind die Avengers uneinig über die Frage der staatlichen Aufsicht, ein praktischer Vergleich für Kreativität unter Unternehmensaufsicht. Im weiteren Verlauf des MCU werden die Helden in ihrer fiktiven Welt zu Berühmtheiten – in „Ragnarok“ bittet eine Gruppe Fangirls Thor um ein Selfie –, genau wie sie in unserer Welt zu Berühmtheiten wurden. „Sie sehen, wie sie eine Version der Belastungen durchmachen, die Sie durchmachen, aber sie sind übertrieben“, sagte Christopher Markus. „Und Sie wissen, dass fast alle von ihnen lieber zu Hause wären. Das geht zurück auf Stan Lee, zurück auf die Comics – ihnen wurde Heldentum größtenteils durch die Umstände aufgedrängt.“

In Superheldengeschichten sind die Ursprungsgeschichten von entscheidender Bedeutung. Die MCU hat mehrere. Die erste beginnt im Jahr 1939, als der Pulp-Magazinverleger Martin Goodman in Manhattan Timely Comics gründete. Die erste Ausgabe, Marvel Comics Nr. 1, enthielt Geschichten über die Human Torch und Namor the Sub-Mariner. In Ausgabe Nr. 7 erwähnte eine Polizistin gegenüber Namor die Fackel und enthüllte, dass die Charaktere in derselben fiktiven Welt lebten. Nicht lange danach kam Stanley Lieber, ein junger Cousin von Goodmans Frau, als Laufbursche zu Timely. Bald begann er, die Geschichten unter dem Pseudonym Stan Lee zu schreiben.

Lee war noch ein Okarina spielender Teenager, als er Chefredakteur von Timely wurde und das goldene Zeitalter des Unternehmens während des Krieges überwachte. Sein Durchbruchsheld, Captain America, schlug Hitler nieder und erlangte eine große Anhängerschaft unter GIs in Übersee. Im Gegensatz zu DC Comics, deren Charaktere in Metropolis oder Gotham City lebten, lebten Marvel-Helden unter uns; Namor erklomm das Empire State Building, wo Timely im vierzehnten Stock Büros hatte. Als der Krieg zu Ende war, ließ der Superheldenwahn nach und der Kongress machte Comics zum Sündenbock für die Verursachung von Jugendkriminalität. 1957 musste Lee sein gesamtes Personal entlassen.

Ursprungsgeschichte Nr. 2: eine Auferstehung. Im Jahr 1961 spielte Goodman mit dem DC-Verleger Golf und erfuhr, dass die Helden bald gemeinsam in der Justice League of America auftreten würden. Goodman forderte Lee auf, das Supergroup-Konzept zu kopieren, und Lee und der Künstler Jack Kirby gaben „Fantastic Four No. Iron Man – der angesagte Außenseiter von DC. Bis 1965 hatte sich die Auflage verdreifacht, auf 35 Millionen Exemplare pro Jahr. Fellini war ein Fan. Das galt auch für Beatniks und College-Kids. Wie Sean Howe in „Marvel Comics: The Untold Story“ schreibt: „Für zwölf Cent pro Ausgabe lieferte Marvel Comics faszinierende dysfunktionale Protagonisten, literarische Schnörkel und atemberaubende Bilder für kleine Kinder, Ivy-League-Spieler und Hippies gleichermaßen.“ Der Hulk hatte Probleme mit der Wut; Die X-Men kämpften gegen die Diskriminierung von Mutanten. Marvels verrückte, neurotische Besetzung überschnitt sich auf eine Art und Weise, die die Komplexität des Talmudismus steigerte, und die Fans waren begierig darauf, ihr geheimnisvolles Wissen zur Schau zu stellen.

Eine Zeit lang überwachte Lee die Kontinuität dieses sich ständig erweiternden Universums, doch sein Blick schweifte nach Hollywood, wo er sich auflöste, um Marvel auf die Leinwand zu bringen. Er hatte Glück im Fernsehen, mit Cartoons am Samstagmorgen und der Live-Action-Serie „Der unglaubliche Hulk“, die von 1977 bis 1982 lief. (CBS ließ eine geplante Human Torch-Show fallen, weil er befürchtete, dass sie Kinder dazu inspirieren könnte, sich selbst anzuzünden .) Aber selbst als die Superman-Filme bewiesen, dass Superhelden auf der großen Leinwand funktionieren könnten, gerieten Marvel-Projekte ins Stocken. Cannon Pictures hat sich die Rechte an Spider-Man gesichert. In den frühen Achtzigern gab es Gerüchte darüber, dass Tom Selleck Doctor Strange spielen sollte. Es kam nichts zustande. 1986 veröffentlichte Universal den ersten Film, der auf einer Marvel-Reihe basiert: „Howard the Duck“, über eine witzige außerirdische Ente, die auf die Erde fällt. Es wurde bombardiert.

Ursprungsgeschichte Nr. 3: eine weitere Auferstehung. Im Jahr 1989 erwarb der Milliardär Ron Perelman, der für seine feindliche Übernahme von Revlon berüchtigt war, Marvel für 82,5 Millionen US-Dollar und nannte es einen „Mini-Disney in Bezug auf geistiges Eigentum“. Aber er hielt Filme für zu riskant. Stattdessen stockte er das in Marvel Entertainment Group umbenannte Unternehmen durch den Erwerb von Sammelkarten und Aufklebern auf. Mitte der 1990er-Jahre hatte Marvels berühmter „Bullpen“ aus Comic-Autoren und -Künstlern viele seiner herausragenden Talente verloren und der Großteil der Belegschaft wurde entlassen. Verärgert über die nachlassende Qualität boykottierten die Fans das Spiel. Zu Marvels finanziellen Problemen kam noch ein Streik in der Major League Baseball, der das Sammelkartengeschäft ins Wanken brachte. Im vierten Quartal 1996 verzeichnete Marvel Verluste von vierhundert Millionen Dollar. Der Aktienkurs stürzte ab. Perelman beantragte Kapitel 11. Ein anderer Milliardär, Carl Icahn, führte eine Gruppe aufständischer Anleihegläubiger bei einem Übernahmeversuch an. Während anderthalb quälender Jahre kämpften die beiden Männer vor dem Insolvenzgericht in Delaware um die Kontrolle über Marvel wie der Grüne Kobold gegen den Geier.

Keiner von beiden hat gewonnen. Der Überraschungssieger war ein zurückgezogen lebender israelischer Unternehmer namens Isaac (Ike) Perlmutter, dessen Firma Toy Biz einen exklusiven Lizenzvertrag mit Marvel hatte. Perlmutter hatte beim israelischen Militär gedient und in seiner Aktentasche eine Waffe aufbewahrt, die er während der Verhandlungen auffällig öffnete. Menschen, die er in den USA traf, gingen fälschlicherweise davon aus, dass er im Sechstagekrieg gekämpft hatte; Dies wurde so oft wiederholt, dass sogar seine engen Mitarbeiter es glaubten. Perlmutter war in seinen Zwanzigern nach Amerika gekommen und begann seine Karriere damit, dass er vor den Toren jüdischer Friedhöfe in Brooklyn stand und Trauernde aufforderte, ihn den Kaddisch überbringen zu lassen. Er verdiente Millionen, indem er billige überschüssige Waren und notleidende Einzelhändler aufkaufte, aber sein Lebensstil blieb bis zur Exzentrizität sparsam. Er und seine Frau verbrachten einen Großteil ihrer Zeit in einer Eigentumswohnung in Palm Beach, wo sie angeblich immer noch jeden Samstag einen Hot Dog bei Costco teilen. (Sein geschätzter Wert: 3,9 Milliarden US-Dollar.)

Im Insolvenzkrieg zwischen Perelman und Icahn spielte Perlmutter beide Seiten – und erzürnte sie. Als Icahn drohte, „Toy Biz niederzureißen und dich und Marvel mit mir zu begraben“, faxte Perlmutter vier Seiten aus dem Buch der Richter zurück. (Samson: „Lass mich mit den Philistern sterben!“) 1998 genehmigte das Gericht Perlmutters Umstrukturierungsplan, einen Leveraged Buyout, der Marvel und Toy Biz fusionieren würde. Wie die beiden Unternehmensräuber, die er besiegt hatte, konnte Perlmutter Iron Man kaum vom Silver Surfer unterscheiden. Aber sein Geschäftspartner Avi Arad war ein echter Gläubiger. Arad, ein Landsmann, der Harley-Davidson-Jacken trug, hatte sich als Spielzeugdesigner einen Namen gemacht; Zu seinem Portfolio gehörten eine Pistole mit verschwindender Tinte und eine pinkelnde Puppe. Durch Toy Biz hatte er sich als Marvels Verbindungsmann zu Hollywood etabliert und sich in Stan Lees Revier eingemischt. Während des Insolvenzverfahrens hielt Arad eine leidenschaftliche Rede an die Banker, um sie davon abzubringen, einen Deal mit Icahn anzunehmen: „Ich bin sicher, dass Spider-Man allein eine Milliarde Dollar wert ist. Aber jetzt, in dieser verrückten Stunde, an diesem Punkt, Sie werden für das Ganze dreihundertachtzig Millionen – was auch immer es von Carl Icahn sein mag – nehmen? Eine Sache ist eine Milliarde wert! Wir haben die X-Men. Wir haben die Fantastischen Vier. Sie können alle Filme sein. "

Nachdem Marvel nun von einem Nahtod zurückgekehrt war und Geld brauchte, richtete Arad in LA ein Büro ein, um Charaktere zu lizenzieren. In kurzer Zeit gelang ihm das, wo Lee gescheitert war. Er hatte die X-Men bereits an Fox verkauft, das im Jahr 2000 seinen ersten X-Men-Film herausbrachte. Er engagierte Feige, einen jungen Associate Producer des Films, als Vollzeitmitarbeiter für Marvel. Die Rechte an Spider-Man, die auf sechs verschiedene Einheiten verteilt waren, wurden auf wundersame Weise neu gruppiert und für zehn Millionen Dollar pro Bild an Sony verkauft, das 2002 den ersten Tobey-Maguire-Film herausbrachte; Es spielte weltweit mehr als achthundert Millionen Dollar ein. Marvel war endlich im Filmgeschäft tätig. Doch durch die Verteilung seines geistigen Eigentums an Studios in der ganzen Stadt hatte das Unternehmen einen wesentlichen Teil seiner DNA geopfert: Seine Helden konnten sich auf der Leinwand nicht vermischen.

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Betrachten Sie eine andere Ursprungsgeschichte, die bisher ignoriert wurde. An einem Spätsommerwochenende im Jahr 2003 befand sich ein Manager einer Talentagentur namens David Maisel in seiner Jogginghose auf dem Dachboden seiner Wohnung in LA. Er hatte zwei Jahre bei der Agentur Endeavour verbracht und dachte über seinen nächsten Schritt nach. Aber er wollte kein Agent bleiben, sondern ein Studio leiten. „Da dachte ich: Hey, wenn ich einen Film bekomme, an den ich glauben kann, und jeder Film danach eine Fortsetzung oder eine Quasi-Fortsetzung ist – die gleichen Charaktere tauchen auf –, dann kann es ewig so weitergehen“, sagte er Mich. „Weil es nicht dreißig neue Filme sind. Es ist ein Film und neunundzwanzig Fortsetzungen. Was wir ein Universum nennen.“ Er betrachtete die Marvel-Comics in seinen Bücherregalen. Dies sei, so Maisel, die Geburtsstunde des Marvel Cinematic Universe gewesen.

Maisel, ein schlanker Mann mit sanfter Stimme, erzählte mir diese Geschichte an der Stelle, an der der Aha-Moment stattfand. Ich hatte ihn in seinem nahe gelegenen Büro getroffen, einer zweiten Wohnung, die mit Marvel-Postern, Actionfiguren und Regiestühlen geschmückt war. Er trug eine Cargohose und einen Silver Surfer-Hoodie. Ohne ihn, sagte er deutlich, „gäbe es das MCU nie. Es ist wie ein Thanos-Schnappschuss.“ Neben einem Thor-Hammer aus Plastik befand sich ein gerahmter Times-Artikel aus dem Jahr 2007, in dem Maisels Pläne für Marvel beschrieben wurden, „in den nächsten fünf Jahren zehn selbstfinanzierte Filme zu veröffentlichen“. Feige, bemerkte Maisel, wurde nicht einmal erwähnt. „Die meisten Leute denken im Moment, dass Kevin das Studio gegründet hat“, sagte er. „Sie kennen mich überhaupt nicht.“

„David wurde sozusagen aus der Geschichte des Studios herausgeschrieben, was ich wirklich seltsam finde“, sagte mir John Turitzin, der bis vor Kurzem Chefberater von Marvel Entertainment war. „Es war seine Idee.“ Obwohl Maisel an der Seite von Hollywood-Händlern wie Bryan Lourd auftauchte, hat er eine sanfte, fast kindliche Ausstrahlung. Er ist Single und nicht extravagant und beschreibt sich selbst als „sehr beeinflusst von buddhistischer Philosophie und Einfachheit“. Er hatte die letzten drei Jahre bei seiner älteren Mutter gelebt, die acht Wochen vor unserem Treffen starb. Aber er ist nicht ohne Ego. „Er denkt immer, dass er der klügste Kerl im Raum ist – fragen Sie ihn einfach“, sagte mir ein Marvel-Absolvent. „Weil er wirklich schlau und kurzsichtig ist, kann er den Raum nicht besonders gut lesen.“ Wenn Maisel ein Marvel-Charakter wäre, wäre er ein geheimnisvoller Zauberer in einer Höhle, der allen, die ihn betreten, zuflüstert, dass er das Sonnensystem erschaffen hat.

Maisel wuchs in Saratoga Springs als Sohn eines Zahnarztes und einer in der Tschechoslowakei geborenen Hausfrau auf. „Marvel-Comics und insbesondere Iron Man waren meine Lieblingsbeschäftigungen“, erinnert er sich, als er auf einem Sofa mit Iron Man-Wurfkissen saß und die Füße auf einem Spider-Man-Teppich ruhte. Tony Stark hatte einen coolen Anzug und die Prahlerei eines Industriekapitäns, aber „er hatte ein schwaches Herz.“ In den Achtzigern versuchte Maisel, seine Klassenkameraden an der Harvard Business School dazu zu bewegen, „Marvel zu kaufen“, aber die Idee kam nicht weiter als ein Brainstorming bei Bier. Er arbeitete für Beratungsfirmen, doch nach dem Tod seiner Schwester an Lupus erkannte er, dass „das Leben kostbar ist“ und zog nach Hollywood, wo er einen Job beim Superagenten Michael Ovitz, dem Mitbegründer von CAA, bekam. „Er brauchte seinen Token.“ „Er konnte seinen Harvard-MBA-Abschluss zu Warren Beattys Haus mitbringen“, sagte Maisel. Als Ovitz Präsident von Disney wurde – eine turbulente Amtszeit von sechzehn Monaten –, folgte ihm Maisel und leitete die strategische Planung bei ABC, das Disney gehörte und von Bob Iger geleitet wurde. „Bei Disney habe ich die Macht von Franchises kennengelernt“, erinnert sich Maisel. Er schloss sich Endeavour auf Einladung der Kanzleipartner Ari Emanuel und Patrick Whitesell an. In Hollywood lebte Maisel auf der Überholspur von Tony Stark (er und Leonardo DiCaprio gingen mit ihren Müttern gemeinsam zum Muttertag aus), als er beschloss, dass Marvel seine eigenen, miteinander verflochtenen Filme finanzieren sollte. Das Problem war, dass er nicht bei Marvel arbeitete. Maisel flog nach Palm Beach, um Perlmutter beim Mittagessen in Mar-a-Lago vorzustellen. (Donald Trump, ein Freund von Perlmutter, der später einer seiner wichtigsten politischen Geldgeber wurde, kam vorbei, um Hallo zu sagen. „Ich kann mich nicht erinnern, was Trump damals gesagt hat, aber es war nichts Beeindruckendes“, erinnerte sich Maisel.) Perlmutter war skeptisch; Für ihn waren Filme in erster Linie ein Motor, um Waren zu verkaufen. Aber das hatte nicht immer geklappt. Im Jahr 2000 verschob Fox den Veröffentlichungstermin für „X-Men“ um sechs Monate, sodass Marvel keine Actionfiguren mehr in den Läden hatte. Der ehemalige Marvel-Manager, mit dem ich gesprochen habe, erinnerte sich: „David hatte das Gefühl, dass es den Lauf der Kinogeschichte verändern würde, wenn Marvel seine eigenen Filme besitzen und sein Schicksal kontrollieren könnte.“

Perlmutter stimmte zu, Maisel es versuchen zu lassen und ernannte ihn zum Präsidenten der Marvel Studios. Aber es gab Hürden. Als Maisel den Vorstand vorstellte, sagten sie Nein – oder zumindest nicht, solange ein finanzielles Risiko bestand. Maisel forderte sie auf, die Lizenzierung von Filmen für sechs Monate einzustellen, während er das Geld zusammenbekäme. Turitzin erinnerte sich, dass David bei einem Treffen mit Standard & Poor's, um eine Bonitätsbewertung der Finanzierung zu erhalten, „eine Bemerkung darüber machte, dass Marvel eine überzeugende Marke sei, die die Leute auf der Leinwand sehen wollten, und über die Frau, die das Treffen leitete.“ denn S. & P. ​​lachten spontan, weil die Idee wie eine solche Hybris wirkte.“ Marvel müsste nicht nur mit Superman und Batman von DC konkurrieren, sondern auch mit seinen bekanntesten Helden, Spider-Man und den X-Men, die an andere Studios lizenziert wurden. „Wenn ich auch nur acht Monate später dorthin gegangen wäre, wäre es zu spät gewesen, denn sie standen kurz davor, Captain America und Thor Lizenzen zu erteilen“, sagte Maisel.

So wie Nick Fury die Avengers zusammenstellte, so nahm Maisel alle Charaktere, die er konnte, mit dem Lasso zurück. Er holte Black Widow aus Lionsgate zurück. Er schloss einen Deal ab, der Universal das Recht einräumte, einen Hulk-Film zu vertreiben, aber eine Lücke aufwies, die es Marvel ermöglichte, den Hulk als Nebenfigur zu verwenden. (Aus diesem Grund hat Marvel, obwohl der Hulk überall im MCU zu finden ist, nie einen „Hulk 2“ veröffentlicht.) New Line gab auf Druck von Avi Arad seine Rechte an Iron Man zurück, der kaum ein Held auf der A-Liste ist. Um die Lebensfähigkeit seiner Charaktere zu beweisen, veröffentlichte Marvel animierte Avengers-Filme direkt auf DVD. In den Boomzeiten vor der Rezession sicherte sich Maisel über Merrill Lynch eine risikofreie Finanzierung in Höhe von 525 Millionen Dollar – genug für vier Filme. Als Sicherheit dienten die Filmrechte an den Charakteren, die im Falle eines Scheiterns der Filme vermutlich sowieso wertlos wären. „Es war wie ein kostenloses Darlehen“, sagte Maisel. „Sie gehen in ein Casino und dürfen die Gewinne behalten. Sie müssen sich keine Sorgen machen, wenn Sie verlieren. Der Vorstand hatte wirklich keine andere Wahl, als mir zu genehmigen, die neuen Marvel Studios zu bauen.“ Marvel berief Fokusgruppen mit Kindern ein, denen die verfügbaren Superhelden gezeigt wurden und sie fragten, welchen sie sich am meisten als Spielzeug wünschen würden. Die Antwort war überraschenderweise Iron Man.

In den Büros der Marvel Studios, die sich jetzt über einem Mercedes-Benz-Händler in Beverly Hills befinden, plante ein Team, das größtenteils aus Männern der Generation Stellen Sie die Helden einen nach dem anderen vor und vereinen Sie sie dann in „The Avengers“. (Jeder, der den vermeintlichen Mangel an kulturellem Einfluss der Generation Feige war Absolvent einer Filmhochschule aus New Jersey und hatte einen Lagerraum voller Filmmerch. „Kevin war der Typ von Typ“, erinnerte sich der ehemalige Manager, „bei dem man sich zur Veröffentlichung der ‚Phantom Menace‘-Spielzeuge in einem Toys R Us wiederfand.“ Maisel debattierte etwa bis drei Uhr morgens mit Feige – den er zu diesem Zeitpunkt als „Avis Lakai“ bezeichnete – darüber, wer in einem Kampf zwischen Hulk und Thor gewinnen würde. (Maisel lehnte sich an Thor: „Stärke siegt nicht immer.“) Bei einem Retreat in Palm Springs skizzierten Feige und eine kleine Gruppe „Phase Eins“ der Filme auf Whiteboards und Haftnotizen und beschlossen, dass sie sich um den Tesserakt drehen würde , ein leuchtender, allmächtiger Würfel, der wie ein Designobjekt aus dem Sharper Image aussieht.

Wie die Avengers war auch die Gruppe nicht vor Streitereien gefeit. Mehrere Leute erzählten mir, dass Avi Arad von dem Eigenproduktionsplan begeistert war, sich dann aber dagegen wandte; er machte sich Sorgen, dass sie sich zu viel vornahmen. Auch Perlmutter waffelte. „Ike wollte die ganze Sache absagen. Avi gefiel das nicht. Sie erkannten, dass auf ihnen Druck lastete, etwas zu liefern“, erinnerte sich der ehemalige Geschäftsführer. „Es ist wie wenn ein Kind versucht, mit einem älteren Mädchen auszugehen. Plötzlich sagt sie ja – was nun? ‚Ich weiß nicht, wie ich sie zum Abschlussball mitnehmen soll! Ich habe nicht einmal einen Anzug!‘ ' "

Zwischen Maisel und Arad entbrannte ein Machtkampf. „Mit den beiden in einem Zimmer zu sein, war wie mit einem sich scheidenden Paar in einem Zimmer zu sein“, erinnert sich Turitzin. In Maisels Erzählung war Perlmutter gezwungen, zwischen ihnen zu wählen, wie ein alttestamentarischer Patriarch. Er stellte sich auf die Seite von Maisel. Arad erzählte mir, dass er zunehmend frustriert darüber war, wie groß das Unternehmen geworden war, und dass er sich gegen den Plan zur Erweiterung auf animierte Spielfilme aussprach. „Ich bin eine One-Man-Show. Eine One-Man-Show macht sich viele Feinde“, sagte er. Was Maisel betrifft – den er als übermäßig ehrgeizigen Zahlenmenschen abtat, während er die Neuerfindung des Studios auf sein eigenes Verkaufsgeschick und seine Kontakte zurückführte – sagte er: „Er war brillant, aber die Art, wie er mit Menschen umgeht, erwies sich als Problem, insbesondere für mich.“ ." Arad trat 2006 zurück und gründete mit seinem Sohn eine eigene Produktionsfirma, die weiterhin an den Spider-Man-Filmen von Sony arbeitete. Maisel wurde Vorsitzender der Marvel Studios. Er ernannte Feige zum Produktionsleiter.

Für die Regie bei „Iron Man“ engagierte Marvel Jon Favreau, der vor allem durch die Single-Dude-Komödie „Swingers“ und den Weihnachtshit „Elf“ bekannt wurde. Die Titelrolle ging an Timothy Olyphant und Downey, der sich nach Jahren von Drogenverhaftungen und Entzugsaufenthalten in einer Karrierekrise befand. „Mein Vorstand hielt es für verrückt, die Zukunft des Unternehmens in die Hände eines Süchtigen zu legen“, sagte Maisel. „Ich half ihnen zu verstehen, wie großartig er für die Rolle war. Wir waren alle davon überzeugt, dass er sauber war und sauber bleiben würde.“ Der Film mit einem Budget von lediglich 140 Millionen Dollar setzte weniger auf Spektakel als vielmehr auf Downeys distanzierte Verspieltheit und seine Screwball-Comedy-Chemie mit Paltrow. Als Perlmutter das Set besuchte, mussten die Produzenten die kostenlosen Snacks und Getränke für die Crew verstecken. Da er der Presse zwanghaft aus dem Weg ging, erschien er verkleidet mit Hut und falschem Schnurrbart bei der Premiere.

Anfang 2009 traf Maisel seinen ehemaligen Kollegen Bob Iger, der CEO von Disney geworden war. Ohne Perlmutter zu konsultieren, schlug Maisel Disney vor, das neu aufstrebende Marvel zu kaufen. Perlmutter wurde versichert, dass Disney die Unternehmenskultur von Marvel wie bei Pixar bewahren und dass er deren Vorstandsvorsitzender bleiben würde. Die Übernahme wurde am letzten Tag des Jahres abgeschlossen. Maisel trat zurück und war um fünfzig Millionen Dollar reicher. „Ich wollte gehen und ein Leben führen – eine Frau finden, was ich immer noch nicht getan habe“, sagte er mir. Er hatte Feige zum Präsidenten des Studios ernannt und war davon überzeugt, dass das Franchise in guten Händen sei, obwohl er verwirrt darüber zu sein scheint, dass Feiges Beiträge seine eigenen in den Schatten gestellt haben. „Kevin war ein Kind, das ich gefördert habe, und ich war sein größter Fan“, sagte Maisel. „Aber Kevin war nicht einmal in dem Raum, in dem es passiert ist.“ Derzeit plant er ein neues Universum animierter Musicals, die auf griechischen und römischen Mythen basieren, beginnend mit Justin Bieber als Amor.

Während wir uns unterhielten, zeigte Maisel auf eine Glaskugel auf seinem Couchtisch und bat mich, sie dreißig Sekunden lang schweigend in meinen Handflächen zu halten. Ich gehorchte. "Welches Gefühl löst das in Ihnen aus?" er hat gefragt. In Wahrheit fühlte ich mich ein bisschen wie Thanos, der die Macht hatte, Welten zu zerstören, aber ich sagte ihm, dass ich mich friedlich und beschützend fühlte. Er nickte. Wochen zuvor hatte Maisel den Dalai Lama in Dharamsala getroffen, auf Einladung von Robert Thurman, dem Präsidenten des Tibet House US und Umas Vater. Er hatte eine identische Kugel mitgebracht, die er in einer Galerie im Bundesstaat New York gekauft hatte, und den Dalai Lama gebeten, sie zu halten. Maisel schlug ihm eine Idee vor: Seine Heiligkeit könnte die Kugel an eine andere Person weitergeben, die sie an eine andere weitergeben könnte, bis die gesamte Menschheit ihre Ehrfurcht spüren könnte. „Mein Globus gehört jetzt ihm. Er wird zu einem Kunstwerk auf der ganzen Welt“, strahlte Maisel. „Mir geht es bei Marvel genauso.“

Das MCU kam spät in die Geschichte von Marvel, aber zum richtigen Zeitpunkt. Ende der 2000er-Jahre hatten Fernsehserien wie „Lost“ das Publikum darauf vorbereitet, dem byzantinischen Serien-Storytelling zu folgen. Und die Effekttechnologie hatte endlich mit der grenzenlosen, der Physik trotzenden Action der Comics mithalten können. Es war eine Sache, Superman mithilfe von Drähten und einem grünen Bildschirm zum Fliegen zu bringen; Es war etwas ganz anderes, wenn Bruce Banner sich in den Hulk verwandelte oder Tony Stark in seinem mechanischen Anzug herumsauste, ohne dass es kitschig aussah. Mit CGI war alles, was sich die Comics ausgedacht hatten, neu verfilmbar.

Nachdem Arad und Maisel verschwunden waren und Perlmutter inkognito, wurde Feige zum Aushängeschild für Marvels kometenhaften Erfolg. Aber sein Führungsstil verzerrte den Jugendlichen. Feige stand jahrelang auf der Warteliste für den Club 33 in Disneyland, eine Executive-Lounge nur für Mitglieder. „Als wir von der Firma gekauft wurden, war Kevins wichtigstes Anliegen: ‚Kann ich es jetzt an die Spitze der Club 33-Liste schaffen?‘ ", erinnerte sich der ehemalige Geschäftsführer. Da Feige fast jede kreative Entscheidung absegnen musste, lernten frustrierte Führungskräfte, ihm keine Fragen, sondern Fristen per E-Mail zu schicken: „Ich baue um drei Uhr ein Set auf, sofern Sie mir nichts anderes sagen.“ Zunächst lehnte Feige einen Firmenfahrer ab, war aber schließlich davon überzeugt, dass er seine Fahrt von Pacific Palisades nach Burbank besser mit dem Lesen von Drehbüchern verbringen sollte. Sein unprätentiöser Stil machte ihn beim Comic-Con-Publikum beliebt, als Jedermann, der die Träume aller Marvel-Freaks verkörperte, den Schlüssel zur Spielzeugtruhe zu bekommen.

Die Spielzeugtruhe gehörte immer noch Perlmutter, die sich weiterhin aus dem Osten einmischte. Seit er Marvel übernommen hatte, hatte er sich eine zwanghafte Sparsamkeit auferlegt. Er würde Büroklammern aus dem Müll fischen. „Anstatt uns echte Möbel zu kaufen, nahm er eine Lastwagenladung Möbel, die er irgendwo in einem Lagerhaus hatte, und verschiffte sie zu uns“, erinnert sich der ehemalige Geschäftsführer. „Ich erinnere mich, dass ich einen Sattelschlepper mit Möbeln ausladen musste, Schubladen öffnete und alte Sandwiches fand.“ Einmal bestellte das Studio versehentlich Stifte mit lila Tinte; Perlmutter weigerte sich, eine Ersatzbestellung zuzulassen, weshalb Marvel-Papierkram jahrelang in Lila erledigt wurde. Der Geiz erstreckte sich auch auf Filme. Chris Hemsworth erhielt für die Hauptrolle in „Thor“ nur 150.000 Dollar. Terrence Howard, der bestbezahlte Schauspieler in „Iron Man“, wurde in den Fortsetzungen durch Don Cheadle ersetzt; Berichten zufolge sagte Perlmutter, dass es niemandem auffallen würde, weil Schwarze alle gleich aussehen. (Perlmutter bestreitet dies.)

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Um seine Kontrolle über das Profitcenter in Los Angeles zu behalten, gründete Perlmutter das Marvel Creative Committee, eine Gruppe von Autoren, Redakteuren und Verbündeten aus Marvels New Yorker Verlagsabteilung. Ein High Court of Nerds klang nicht nach einer schlechten Idee, aber das Komitee wurde zum Fluch der Filmleute. „Es war im Grunde eine Gruppe, die existierte, um dem Studio mitzuteilen, dass sie alles falsch machten“, sagte der ehemalige Geschäftsführer und erinnerte sich daran, dass das Komitee am ersten Drehtag von „The Avengers“ ein 26-seitiges Memo mit Vorschlägen verschickte dass die gesamte Geschichte neu geschrieben wird. „Es war zerstörerischer Wahnsinn.“

Bis 2015, sagte der Geschäftsführer, sei die Fehde „fast wie ein Rap-Kampf zwischen Ost- und Westküste“ gewesen. Feige litt unter Perlmutters Kontrolle, und laut Iger hatte Perlmutter „die Absicht, Feige zu feuern“. Iger blockierte den Sturz und strukturierte die Befehlskette neu, so dass Feige direkt dem Vorsitzenden des Disney-Studios, Alan Horn, unterstellt war. (Perlmutter sagt, er habe nie versucht, Feige zu feuern, befürchtete jedoch, dass Marvels Vertrauen in ihn „unangemessen riskant“ sei, und drängte Iger, einen Ersatz zu rekrutieren.) Das gefürchtete Komitee wurde aufgelöst und Perlmutter wurde ins Abseits gedrängt, aber bis dahin hatte er den Vorsitz geführt Beseitigung von Marvels größter Hürde: Sonys Einfluss auf Spider-Man. Jahrelang hatten sich die beiden Studios um die Figur gestritten wie getrennt lebende Eltern um das Sorgerecht. Führungskräfte von Sony waren es gewohnt, schreiende Anrufe von Perlmutter zu erhalten, bei denen es um so kleine Ausgaben wie Freigetränke bei Pressekonferenzen ging.

Als das MCU wuchs, hatte Sony einen konkurrierenden Spider-Vers angekündigt, aber das Studio erhielt Fan-Petitionen, um Spider-Man wieder zu Marvel zu machen, und der 2014 erschienene Teil „The Amazing Spider-Man 2“ scheiterte. Sony dachte verzweifelt über eine Fortsetzung nach, die Spider-Man in ein Land der Dinosaurier schicken würde. Amy Pascal und Michael Lynton von Sony flogen schließlich nach Palm Beach, um einen Deal mit Perlmutter und Feige abzuschließen: Sony würde weiterhin Spider-Man-Filme veröffentlichen, aber Feige würde sie beaufsichtigen, und Peter Parker könnte endlich seine Freunde im Kino treffen MCU Der Deal scheiterte an Avi Arad, der es einen „Verrat“ nennt. In einer unauffälligen Anspielung erhielt der erste Spider-Man-Film im neuen Arrangement den Untertitel „Homecoming“.

Als neue Charaktere auftauchten, wurde die MCU unhandlicher. Nachdem Phase Eins 2012 mit „The Avengers“ ihren Höhepunkt erreichte – der Apotheose des Marvel-Stils, bei der die witzigen Helden eine außerirdische Armee bekämpften und dann bei Schawarma feierten – wiederholte Phase Zwei die Formel, indem sie weitere obskure Charaktere wie die Guardians hinzufügte of the Galaxy und Ant-Man. Skeptiker fragten sich, ob Marvel am Ende des Superheldenfass kratzte, aber die Filme waren Hits. Phase drei brachte Doctor Strange und Black Panther ins Spiel und brachte dann die gesamte Besetzung in „Avengers: Infinity War“ zusammen, in dem der schroffe Superbösewicht Thanos, besorgt über die galaktische Überbevölkerung, mit einem Fingerschnippen die Hälfte aller Lebewesen auslöscht . In Wahrheit war die MCU überfüllt und musste neu gestartet werden. „Avengers: Endgame“ löste Chris Evans‘ Captain America auf und tötete Downeys Tony Stark, der die treibende Persönlichkeit des Franchise gewesen war.

Wie es in den sechziger und siebziger Jahren bei den Comics der Fall war, diversifizierte das Studio seine Helden nachträglich. Beim Sony-Hack im Jahr 2014 war eine E-Mail von Perlmutter aufgetaucht, die Zweifel an der Rentabilität weiblicher Superhelden aufkommen ließ. (John Turitzin, ein langjähriger Verbündeter von Perlmutter, erzählte mir, dass Perlmutter gerade „andere Leute nachplapperte“ und fügte hinzu: „Er hat ein sehr gutes Gespür für Finanzierung, aber er weiß nichts über die Charaktere.“) Von Perlmutters Griff befreit, Marvel veröffentlichte einen eigenständigen Film für Scarlett Johanssons Black Widow und fügte Simu Lius Shang-Chi hinzu. Aber ohne Tony Stark an der Spitze fühlten sich die neuen Phasen richtungslos an. Ein potenzieller Nachfolger, Black Panther, wurde durch den Tod von Chadwick Boseman im Jahr 2020 eliminiert.

Dennoch öffnete sich der Inhaltshahn noch weiter. Im Jahr 2021 startete Phase Vier die „Multiversum-Saga“, die sich mindestens bis 2026 über mehrere Phasen hinweg entfalten wird. Das Multiversum mag ein philosophisches Konzept sein – dass Paralleluniversen unendlich viele mögliche Realitäten enthalten –, aber es wird besser als Organisationsprinzip für kollidierende Stränge verstanden Der Kauf von Twentieth Century Fox durch Disney brachte das Versprechen, dass die X-Men und die Fantastic Four endlich dem MCU beitreten würden. Auf Feiges Vorschlag nutzte „Spider-Man: No Way Home“ die Multiversum-Idee, um MCU-Helden (Cumberbatchs Doctor Strange) zu bringen. zusammen mit Charakteren aus Sonys früheren Iterationen von „Spider-Man“ (Alfred Molinas Doctor Octopus). Die Prämisse war sowohl ein verrückter Fan-Service als auch offensichtliche Unternehmenssynergien. „Es gibt diesen historischen Deal zwischen Sony und Marvel, und sie wollen Dinge voneinander“, sagte Chris McKenna, Co-Autor von „No Way Home“. „Es wird eine gegenseitige Befruchtung der Charaktere geben, sodass beide Unternehmen das Gefühl haben, dass sie etwas aus dieser Beziehung herausholen.“

Dieses Jahr war für Marvel turbulent. Im Februar startete „Ant-Man and the Wasp: Quantumania“, der erste Film der fünften Phase, mit mäßigen Kinokassen und einigen der schlechtesten Kritiken in der Geschichte von Marvel. („Geschäftig, laut und völlig uninspiriert“, schrieb Manohla Dargis in der Times.) Die visuellen Effekte wurden als matschig und allgemein herausgestellt, was den Eindruck verstärkte, dass Marvel mehr Inhalte ausspuckt, als es verarbeiten kann. Ein einzelner Film kann über dreitausend Effektaufnahmen haben, und Marvels Strategie, Regisseure aus Sitcoms oder Sundance zu gewinnen, bedeutet, dass die verantwortliche Person wenig Erfahrung mit der Handhabung großer Actionszenen hat. In den letzten Jahren gab es Berichte über Burnout und Unzufriedenheit in der VFX-Branche. Da Marvel, sein größter Kunde, für seine Sparsamkeit bekannt ist, unterbieten sich die VFX-Firmen gegenseitig bei der Arbeit, was dazu führt, dass die Projekte unterbesetzt und unterfinanziert sind. Man hat Effektkünstler 80-Stunden-Wochen lang weinend an ihren Schreibtischen gesehen, gequält von Marvels unflexiblen Deadlines, Last-Minute-Umschreibungen und der Unentschlossenheit zu vieler Köche, beispielsweise über Thanos‘ genauen Lilaton.

Ich habe unter der Bedingung der Anonymität mit mehreren VFX-Künstlern gesprochen. (Man sagt, dass Marvel Unternehmen, die sich wehren, verdrängt.) Einige sagten, Marvel-Stress sei ein Symptom für größere Probleme in der Effektindustrie, die aufgrund von Steueranreizen weltweit dezentralisiert sei und eindeutig Arbeitsschutz benötige. „Marvel ist der einfache Boxsack“, sagte einer. Aber ein anderer erzählte mir: „Sie neigen dazu, ihre Meinung ziemlich spät zu ändern, und das ist der Grund, weshalb wir die ganze Hitze auf uns nehmen.“ Er wies auf eine Szene in „Endgame“ hin, in der die Avengers in die Vergangenheit reisen. Während der Produktion trugen die Schauspieler Platzhalter-Motion-Capture-Anzüge, die dann mit CGI verschönert wurden. „Sie hätten einfach die Kostüme tragen können, und es wäre eine Milliarde Mal einfacher gewesen“, sagte der VFX-Künstler.

Einen Monat nach der Premiere von „Quantumania“ entließ Disney überraschend Victoria Alonso, Marvels langjährige Postproduktionsleiterin und Mitglied des Trios, was Spekulationen anheizte, dass sie für die VFX-Probleme verantwortlich war oder zum Sündenbock gemacht wurde. Disney sagte, Alonso habe gegen ihren Vertrag verstoßen, indem sie einen Oscar-nominierten Spielfilm beworben habe, den sie für ein anderes Studio produziert habe. Sie lehnte eine Stellungnahme ab, aber eine mit der Angelegenheit vertraute Quelle erzählte eine andere Geschichte: Alonso, eine schwule Latina, war von der „Wakanda Forever“-Pressetour ausgeschlossen worden, nachdem sie eine Rede gehalten hatte, in der sie einen Preis von GLAAD entgegennahm, in dem Disneys Umgang mit Floridas kritisiert wurde Gesetzentwurf „Don’t Say Gay“. Als ihr Team dann gebeten wurde, für bestimmte Veröffentlichungsgebiete Regenbogenfahnen und andere Pride-Symbole aus einer Straßenszene in San Francisco in „Quantumania“ herauszuschneiden, lehnte sie ab und der von ihr produzierte Außenfilm wurde als Vorwand für ihre Entlassung genutzt. („Es ist nicht glaubwürdig“, sagte die frühere Führungskraft, mit der ich gesprochen habe, zu dieser Erzählung. „Wir haben zwanzig Jahre lang getan, was China, Russland und der Nahe Osten von uns verlangten.“) Nachdem ihr Anwalt gedroht hatte „ schwerwiegende Folgen hatte“, einigte sich Alonso mit Disney auf einen Vergleich über mehrere Millionen Dollar.

„Quantumania“ stellt einen neuen Superschurken vor, Kang, gespielt von Jonathan Majors, der in der gesamten Multiversum-Saga immer wieder auftaucht. Im März wurde Majors nach einem Vorfall mit seiner Freundin wegen Körperverletzung, Belästigung und Strangulation festgenommen. Er bestritt ein Fehlverhalten, aber der Skandal hat Marvel vor ein Dilemma gestellt. Zwei Wochen später entließ Disney Perlmutter als Marvel-Vorsitzenden. Perlmutter, der nach wie vor einer der größten Einzelaktionäre von Disney ist, hatte Iger kürzlich verärgert, indem er (erfolglos) darauf drängte, dass sein Freund Nelson Peltz einen Sitz im Disney-Vorstand bekommt. Perlmutter sagte dem Wall Street Journal, dass er unter anderem wegen seines aggressiven Strebens nach Kostensenkungen entlassen worden sei. Iger nannte „Redundanz“.

All dies folgte auf Igers Äußerungen auf einer Investorenkonferenz, dass Disney seinen Inhalt reduzieren würde, einschließlich endloser Marvel-Runderneuerungen. „Fortsetzungen funktionieren normalerweise gut für uns, aber braucht man zum Beispiel eine dritte oder eine vierte?“ er sagte. Bei all der Übersättigung, den Palastintrigen und dem Markenverfall schien der MCU-Moloch endlich Risse zu bekommen. Die Veröffentlichung von „Guardians of the Galaxy Vol. 3“ im letzten Monat – der am Eröffnungswochenende 28 Millionen Dollar weniger einspielte als der vorherige Teil – trug wenig dazu bei, das Gefühl zu zerstreuen, dass Marvel-Müdigkeit real ist und Feige es auch ist Die Verbreitung ist zu dünn für die Lawine an Inhalten. „Der einzige Nachteil von Marvel ist, dass es bei Kevin zu Engpässen kommt“, sagte der ehemalige Geschäftsführer. „Ich denke, alle sind sich einig, dass dies nicht die optimale Menge an Zeug ist.“ Wissenschaftler sagen voraus, dass unser eigenes Universum in den nächsten hundert Millionen Jahren beginnen wird, sich zusammenzuziehen; Das Marvel Cinematic Universe könnte, nachdem es seine äußeren Grenzen erreicht hat, einem ähnlichen Naturgesetz unterliegen.

An einem Donnerstag letzten November ging ich zum Regal Union Square Multiplex in Manhattan, um mir am Eröffnungsabend „Black Panther: Wakanda Forever“ anzusehen. Es lief auf zwölf von siebzehn Leinwänden, aber selbst das reichte nicht aus, um ein aussterbendes Kinomodell zu stützen: Wochen später gab die Muttergesellschaft von Regal, die Insolvenz angemeldet hatte, Pläne bekannt, den Standort am Union Square zu schließen, zusammen mit dreißig acht weitere.

Doch vorerst füllten sich die Rolltreppen mit Marvel-Fans. Jacob, ein NYU-Student, hatte zum zehnten Geburtstag eines Freundes seinen ersten Marvel-Film „The Avengers“ gesehen. Seine Lieblingsfigur sei die Scharlachrote Hexe, sagte er, weil sie „ständig mit Dingen beworfen wurde und diese überwand“. Richard, ein aufstrebender Spieledesigner, in einem Marvel-T-Shirt und einer Hipster-Brille, las die Comics seit seinem fünften Lebensjahr. „Ich fühle mich immer noch sehr beschützerisch gegenüber diesen Charakteren“, sagte er. Sein Lieblings-MCU-Held war Captain America, weil der Charakter seinen Prinzipien treu blieb („eine bescheuerte Aussage“). Richard, der einen mexikanischen Vater und eine schwarze Stiefmutter hat, bezeichnete Marvel als „eine der mächtigsten Motoren, die wir haben, um den Menschen etwas über Unterschiede beizubringen.“ Nach dem Film verließ er das Kino erschüttert darüber, wie die Trauer über Bosemans „Black Panther“ mit einem postkolonialen Trauma in Verbindung gebracht wurde: „Viele von uns, die Science-Fiction und Genre-Storytelling unterstützen, haben tiefe kulturelle Verluste erlitten, von denen wir noch lernen müssen, wie.“ verstehen."

Tim, ein 25-jähriger Finanzanalyst und Marvel-„Fan“, kam die Rolltreppe hinauf. Sein Lieblingscharakter war Ant-Man, weil „wir beide sehr klein sind“, sagte er. Nachdem er „Endgame“ gesehen hatte, hatte er sich auf Disney+ über das MCU informiert. „Ehrlich gesagt, jetzt, wo wir von zu Hause aus arbeiten, schaue ich tagsüber zu“, sagte er. Als ich ihn bat, den letzten Film zu nennen, den er im Kino gesehen hatte, sagte er „Thor: Love and Thunder“. „Ich gehe nur wegen Marvel ins Kino“, gab er zu. „Selbst wenn ich nur in Marvel-Filme gehe, sind es drei oder vier pro Jahr. Ich denke also, OK, das ist genug.“ ♦